Introducing Daniel Guzmán (México, 1964)
By Gabriel Kuri, 2002

!Hola rock!...yo soy blues carnal
By Daniel Guzman

Hello Rock!...I m your pal Blues
By Daniel Guzmán

Come As You Are Or (Goodbye Blue Sky)
By Daniel Guzman, November 1999

Come As You Are Or (Goodbye Blue Sky)
By Daniel Guzmán, Noviembre 1999

THIS IS WHERE I BELONG
By Daniel Guzman

THIS WHERE I BELONG
By Daniel Guzman

Pequeñas anécdotas interrumpidas
By Daniel Guzman, Febrero, 1999

Essays & Press

Introducing Daniel Guzmán (México, 1964)
By Gabriel Kuri, 2002

Daniel Guzmán is above all a draftsman; drawing is his everyday activity as well as the medium that he most frequently exhibits. Drawing -as the daily exercise of giving form to thought- has been the spine of his creative process and production output since the beginning of his formative years. It rests on a highly sophisticated   knowledge of the subtleties and possibilities of material: paper, pencil, ink, print, also manifest when he chooses to include a piece of news torn from the newspaper, or to trace straight on a page of an old comic book or magazine ad.

As proven by the small publication after his recent solo show -at kurimanzutto, Mexico- a lot of his work looks great in black and white photocopies. Not because he has a particular fondness for trashy, faded or flattened visual information; in fact, given the right treatment, black and white photocopies can also have a very elegant sobriety. His images reproduce well due to their both resourceful and economic graphic strength.   Often he chooses to work with inexpensive or found (otherwise gaudy) materials, and does so by reclaiming every object’s individual dignity and intrinsic beauty; not by playing only on their ordinariness, nor by disregarding their commercial value as a facile critique of consumer society.

Even while manipulating existing information and material, Guzmán remains a maker before being a strategist.

Draftsmanship might be one of the disciplines of the arts in which the creative individual is at fullest command. The distance between thought or impulse and form, and thus between the product and the audience, is reduced to its minimum. While the fabrication does not involve mediated techniques (like in video editing, photo developing or other processes in many steps) what meets the audience’s eye does so with immediate address and most frequently provokes an unmediated response.

In the same way than with the drawings, one can appreciate an inherent directness in pieces that Guzman has employed other solutions.

He has explored other media such as sculpture, mainly juxtaposing ready made objects, as can bee seen in Las Plantas de Mis Pies (The Soles/Plants of My Feet, 2000) where, with a simple gesture, he put together discarded produce boxes and a pair of old shoes, from which plastic vines spouted.

He also works frequently with installation, creating networks that connect scattered objects, sound, images and often an activity. In "Prestamo" (Loan, 1997) for a one-day show, Guzmán reconstructed his sitting room in an artists´ run space and had numerous of his treasured goods (books, records, videos) available for the audience to borrow for an indefinite period. He labeled each object that left the room, and wrote down the name of the person borrowing next to the inventory of items.

Guzmán has also employed video in a straightforward, unedited and plainly filmed manner, like Momentos Irrepetibles (Unrepeatable Moments, 2001) for which the artist just put the video camera in front of his face while singing to his most heartfelt favorite tracks playing in the background.

His entire oeuvre, however silent, also feels to always be accompanied by a soundtrack.
Paying frequent visits to his studio is a very encouraging experience, it has a relentless vitality. It changes substantially on a daily basis. Posted images and drawings shift about on walls, objects overlap in new ways, even the few pieces of furniture constantly change places. This gives as a result, a strong sense of tactility and intimacy in the pieces when they finally leave the studio. Another aspect that strikes one about his space is the presence of a collector. A collector of images, books, magazines, figures, and more importantly, records and the surrounding paraphernalia.

Like the good few unexplained incongruities of long time collectors, Daniel Guzmán has many records and discs but plays them on a cheap stereo. The discs are stacked horizontally instead of filed vertically, let alone alphabetically or by type and subtype of music. The order they follow, as it is evident there is one, is rather personal and emotional. And the echoes of the lonely activity that collecting can be, are also patent in his discourse. All the side activities that collecting implies, such as making lists, enlisting wishes, deferring wishes, or living fantasies through other people’s lives, achievements or simply myths, appear constantly in his drawings, titles, or the encompassing mood that defines entire projects or periods.

Daniel Guzmán is nearly 38 but looks both a lot younger and ageless. His work, as an immediate consequence of his persona, intuits the dignifying stubbornness in refusing to grow up, give in, and settle down. Like a true aging rocker, he has decided to stay young by playing against the grain.   His work is rooted confidently in the necessity to stay close to the great feeling of discovery and potential for fulfillment –perhaps not too far from the confused teenager- that the first listen to a life changing album, going to a life changing gig or reading a life changing book, can provide.   However, his gaze somehow also refuses to be nostalgic, he does not speak of the gone good old days, his work is in present tense even when he uses old material and involves constant revision.

Over the last decade, the issues most present in his work have been: greed, success, the pursuit of happiness, the fragility of happiness, death, hope, catholic morality, the false promises and lifestyles projected by advertising, fate, loyalty, the impossibility of playing by the rules, and the recurrence of evil; all jumbled up and treated with an often dark sense of humor.

His constant reworking of old material, literary references, quoting –and mistranslating- have created a palimpsest that manifests in many shapes and at different moments. This is clear to see in the many series of drawings that include both fresh and first take results, as well as aged pieces of paper with superimposed, reiterated and intervened imagery and text.

Even while the works often deal with hard imagery and subject matter such as pornography or graphic violence, (portraits of serial murderers´ victims, scenes from cheap porn novels, together with members of Kiss or the Sex Pistols) the outcome does not strike as pessimistic nor jaded. However similar at first glance, it stands in stark opposition to the new tradition of pop young abjection in North America –encompassing music, visual arts, and other forms of juvenile expression - that profits from immaturity and lack of motivation –ironically with equal pedantry to that of triumphant stadium rock aesthetics-. Daniel Guzmán is in fact very hard working and that sense of generosity is tangible in the abundance, openness and giving ness of what meets the spectator ´s eye. He does not seem to sit down and ride expecting to cash in on indifference nor self-destruction. Like some of his frequently quoted and celebrated heroes, (Charles Bukowski, Kurt Cobain, José José,) Guzmán has the kind of creative drive that could produce an entire album’s length of songs about a certain lack, an unrewarded love or a upsetting encounter. The directness of his approach, not too different to that of poets or songwriters, allows for an immediate channeling of impulse. Hijo de tu puta madre ya sé quién eres, te he estado observando (You son of a bitch, I know who you are, I have been watching you, 2001), was an entire solo exhibition that spouted from a period of unhappiness and isolation and served as a sort of fix. It consisted of a large group of drawings, collage, sign paintings and magazine cutouts with pictures and text that oscillated between despair and hope in an almost violently direct way; a few dozens of cassette tapes –from the artist’s own collection- piled up on a piece of tarpaulin, like one would find on a junk market; and a monitor showing a video of the artist singing, facing a collection of his school credentials from a wide span of years posted on the opposite wall.

His voice is introspective and his critique of social aspects, although frequent, is oblique and often contradictory. When he tackles issues like social inequality, or his conflict with catholic morality, they always seem to be voiced from the singular first person.

His art does not follow shock tactics. It does not opt for the facile manipulation of academic hooliganism. In such a way, it is quite the opposite to the doctrines of Malcolm McLaren, who is nevertheless –directly, indirectly, and since his New York Dolls days-, one of his heroes. Guzmán´s approach is rawer, more confessional, less cynical or even strategic. His soul is closer to that of a figure like Jonathan Richman, the quirky sort of genuine punk who is more about liking than about hating.

Following Andy Warhol´s phrase; "Pop Art is about I like", Daniel Guzmán´s pop goes beyond, to the more conflictive terrain of the "I want", "I fancy", and "why can’t one get what one wants, or even needs?" When Guzmán employs pop imagery and phrases deriving from advertising, there is a prevalent feeling of unfulfillment: the "I like", most of the times is cut short by a "but I cannot have". This is clear in the present open series of drawings on fashion magazine ads, altered and veiled with scribblings and pictures on tracing paper.

Being a rock and roll devotee in Mexico City, Daniel Guzmán visited the Chopo Rock Market weekly on saturdays during the 70s and 80s. This was a pre cd, laser copying or NAFTA (North American Free Trade Agreement including Canada, the US and Mexico) enterprise in which hundreds of youngsters exchanged bootleg –and frankly unintelligible- copies of albums on tape with b & w copied covers, handmade versions of band badges, banners, t-shirts, cult literature, and the occasional and highly sought after import item. The all time favorite bands at the Chopo were not strictly the top royalty cheque collectors, but the ones subject to the most varied and original forms of piracy and reinterpretation. The spirit of assimilating and making do, through whichever means available (plagiarized, bootleg, mistranslated or dog-eared photocopied) and the resistance and disdain for conformity it conveys, prevails in this social outlet as much as in Guzmán´s   work to date.

This environment, apart from contributing with countless sounds, lines, images and experiences, provoked the collaboration between Guzmán and one of the more creative craftsmen at the joint. For a piece commissioned by the Museum of Modern Art in Mexico City (for the exhibition Acne 1996), they produced "A Cheap Holiday in Someone Else´s Misery": a series of carefully crafted chipboard cutouts of icons –emblematic album covers or logos, a portrait of Che Guevara, a skull, the dollar sign, etc.- airbrushed and hand painted with glossy enamel to a very smart and hard edged finish. Accompanied by a printed text, these emblems hung informally on the museum wall, in a similar way to that of the objects covering the walls in a teenager’s bedroom, while expressing an equation of worship, desire, and alienation in the distribution of wealth.

With all due respect and acknowledgement, as well as by obscure connections, Guzmán´s work transpires Philip Guston´s (in the balance between refinement and clumsiness), Robert Crumb (in the honesty and openness of their obsessions), José Clemente Orozco (in the vigor of stroke), Goya or George Grosz (in its compositional complexity and skill) and the psychedelic poster (in the integration between figure, background and text),

Three dimensional, time based, or works involving systems of images, objects, situation or activity , remind of the both dryly hermetic and sentimental atmospheres created by melancholic conceptualists like Bas Jan Ader . Golpe de Suerte (Stroke of Luck, 2000) is a video in which the artist repeatedly picks up and throws rocks at a tree, following a pattern of decisions, improvisation and fate driven causality, like that in skipping trying to avoid cracks on the pavement.

!Hola rock!...yo soy blues carnal
By Daniel Guzman

Alrededor de los 9 o 10 años descubrí la música rock gracias a un amigo mucho mayor que yo, de nombre Miguel. Por aquel tiempo vivía en la colonia de los Doctores, en una vecindad de dos patios, de lavaderos y baños colectivos, en la calle de doctor Duran, junto al parque de las Artes Gráficas, a un costado del mercado Hidalgo, a la vuelta de los baños Margarita (en cuyos pasillos conocí a varios luchadores y boxeadores profesionales que entrenaban en el gimnasio), a unas cuadras de los cines Titán y Maya a donde frecuentemente asistía a las funciones de fin de semana, las famosas matinees, cines en cuyas butacas me soplé varias películas de cómicos y luchadores mexicanos, en medio de un caos de niños, tortas y refrescos que circulaban en medio de las funciones.

En los ratos que no ocupábamos en jugar o ir a la escuela nos encerrábamos en su casa para escuchar música, de una vasta colección de discos que Miguel tenía, sin lugar a dudas, sus dos grupos favoritos eran los Beatles y el Grand Funk Railroad, pero además contaba con otros varios como el Led Zeppelin, Deep Purple, los Doors, etc.. Fue en su casa donde escuché y vi por primera vez un disco de Kiss, el Destroyer que fue toda una revelación para mí, a pesar de no entender ni jota de lo que cantaban, la música llegaba a mi interior por medio de su energía y alegría. Desde aquel entonces el rock siempre me ha acompañado para bien o para mal, no sólo en mi trabajo sino en mi vida diaria, como una especie de puente que me ha ayudado en ciertas etapas de mi vida a buscar afinidades emocionales con el mundo y la gente que me rodea, e incluso muchas veces a sustituirlos.

De tal manera ahora que ya estoy grandecito y al tener que realizar estos cuadros inevitablemente venían a mi memoria una serie de recuerdos y emociones que he intentado, en la medida de mis posibilidades técnicas, plasmar en la tela, yuxtaponer un sentimiento musical a un medio puramente visual, seguir disfrutando de la música a pesar de tener que pintar y desperdiciar ese tiempo maravilloso en tratar de encontrar alguna certeza en esta actividad; así que, cuando veas estos cuadros, trata de recordar esto que te he platicado.

Hello Rock!...I m your pal Blues
By Daniel Guzmán

translated from Spanish by David Wayne

At the age of 9 or 10 I discovered rock music thanks to a friend who was much older than I named Miguel. At that time I lived in Colonia Doctores in an apartment block with two common areas and shared laundry and bathroom facilities. This was on a street called Dr. Duran, near the Artes Gráficas park, to one side of the Hidalgo market, around the corner from the Margarita bathhouse (in whose corridors I met a number of professional wrestlers and boxers who trained in the gymnasium), and several blocks from the Titan and Maya movie theaters, where I often went to the weekend features, those famous matinees. In their seats I devoured a considerable number of Mexican comedies and wrestling films, in the midst of the chaos of children, sandwiches, and sodas revolving around me during the show.

When we weren't busy playing or going to school we shut ourselves up in Miguel's house to listen to music from the vast collection of records he owned. Without a doubt his two favorite groups were the Beatles and Grand Funk Railroad, but there were others, such as Led Zeppelin, Deep Purple, the Doors, and more. It was at his house that I first heard and saw a record of Kiss, "Destroyer," a complete revelation for me, despite the fact that I didn't understand a word they sang, the music's energy and happiness touched me deep inside. From that moment on, Rock has been with me always, for better or worse, not only while I'm working but in my daily life, as a kind of bridge that has helped me during certain periods of my life to make emotional connections with people and the world, and has often served in their stead.

Now that I'm all grown up, having created these paintings, inevitably a series of recollections and emotions came to my mind that I've tried, as far as my artistic ability allows, to formulated on canvas, juxtaposing musical feeling with a purely visual media, so as to keep on enjoying music despite having to paint and waste this wonderful time trying to find some kind of certainty in this activity. So when you look at these paintings, try to remember what I've just told you.

Come As You Are Or (Goodbye Blue Sky)
By Daniel Guzman, November 1999

translated from Spanish by David Wayne

I took the title of the series of drawings Smashes, Trashes, and Hits from a compilation of the greatest hits of KISS, my favorite group when I was an adolescent (even now, I get gooseflesh when I hear them). The emotional motivation for the series had more to do with the music of NIRVANA, my favorite group for some time, and most particularly with the song Come As You Are (an amalgam of punk, metal, and pop), which to me represents the perfect mixture of violence and tenderness I was looking for when working on this series – full of musical references, personal observations, and visual caprices. During the five-year period (1991-1996) in which this series took shape, I tried to find the best solutions from an array of literature, newspapers, visual essays, and personal obsessions, all carefully preserved in various corners of my house, like the music magazines CONECTE [CONNECT], SONIDO [SOUND], ACUSTICA [ACOUSTICS], ORBITA [ORBIT]; SIMON SIMONAZO, EL CHIZZ; discarded love letters, fleeting memories, and other detritus.

The other series, El Chupacabras Mix, is more of a stylistic affectation, with pseudo-mystical, magical, and musical pretensions, as well as personal bits and pieces, extracted by visual piracy from a number of album covers of psychedelic music of the 60s that I really like -- MC5, THE GRATEFUL DEAD, SANTANA, JEFFERSON STARSHIP -- and other groups from that tremendous era of Mexican Rock. These albums, along with the malicious streak characteristic of the psyche of Mexican pop culture, are embodied in this series of drawings by the monstrous figure of the Chupacabras.

Come As You Are Or (Goodbye Blue Sky)
By Daniel Guzmán, Noviembre 1999

El título de la serie de dibujos, Smashes, Trashes and Hits, lo retomé de un disco de grandes éxitos del grupo KISS, mi grupo preferido durante mi adolescencia (todavía a estas alturas del partido, se me enchina la piel cuando los escucho), pero la motivación emocional para su realización tuvo más que ver conla música del grupo NIRVANA, mi grupo favorito desde hace unos años, y más particularmente con la canción Come As You Are (amalgama de punk, metal y pop), que para mi representa la mezcla exacta de violencia y ternura que buscaba al realizar esa serie, llena de referencias musicales, comentarios personales, y caprichos visuales. Producto todo esto de una espera de más de cinco años (1991-1996), en que se estuvo gestando esta serie, guardada durante todo este tiempo en espera de encontrar las mejores soluciones a un conjunto de fragmentos literarios y periodísticos, ensayos visuales, y obsesiones personales, atesorados en los rincones de mi casa, como las revistas de música, CONECTE,SONIDO, ACUSTICA, la revista ORBITA, el SIMON SIMONAZO, EL CHIZZ, cartas de amor abandonadas, recuerdos fugaces y demás detritus.

La otra serie, El Chupacabras Mix, es mas bien un amaneramiento estilístico, de seudo pretensiones místicas, mágicas, musicales y demás chucherías personales, sacadas de la piratería visual que hice de varias portadas de discos de música psicodélica de los años sesenta, que tanto me gustan; de grupos como MC5, GRATEFUL DEAD, SANTANA, JEFFERSON STRASHIP y demás grupos de la época gruexxa del rock nacional y el espíritu mala leche que caracteriza a la psique de la cultura popular mexicana, encarnada en esta serie de dibujos por la figura monstruosa del Chupacabras.

THIS IS WHERE I BELONG
By Daniel Guzman

En mis ultimas instalaciones dibujísticas he tratado de resumir en espacios muy concretos de exhibición, diferentes series de dibujos que se desarrollaron en tiempos y circunstancias muy diversas. Especies de mapas personales que recurren a diferentes expresiones dibujísticas, tanto en su soporte material como en las técnicas empleadas.

Van del recorte de periodico a la apropiacion de imágenes y textos de diversas fuentes, como la música y la literatura.

Es asi que esta nueva instalación llamada “THIS IS WHERE I BELONG”, retoma muchas de estas estrategias y preocupaciones personales en cuanto al uso del dibujo, y la ampliación de éste, en su capacidad de involucrarse con otras personas , espacios e ideas.

En esta ocasión cuento con la participación de mis sobrinos (Juan Carlos, Miguel Angel, Edgar y Omar), para la elaboración de la parte central de esta obra, una especie de “árbol imaginario”, en cuyas diversas ramas dibujísticas habitamos, para hablar de lo que vivimos , queremos, vemos e imaginamos. Las diferentes formas de mostrar este lugar al que pertenecemos.

Asi es como veo al dibujo, como una extension natural de mi persona en mi encuentro con el mundo que me rodea, jugando con varias de sus posibles expresiones.

Finalmente, pero no menos importante, esta instalación dibujística es una especie de homenaje(desde el titulo de la pieza),personal e íntimo a un grupo de rock que me gusta mucho y que creo comparte conmigo, esta especie de amor fraternal por las cosas simples y cotidianas de la vida, THE KINKS.

THIS WHERE I BELONG
By Daniel Guzman

In my last drawing installations I have tried to resume in very concrete exhibition spaces, different series of drawings developed in very diverse moments and circumstances.

They go from newspapers cut outs to the appropriation of images and texts from diverse sources, as music and literature.

It is how this is new installation named ¨THIS IS WHERE I BELONG¨, takes many of these strategies and personal preoccupations in regards to the use of drawing and the extension of it, in its capacity to get involved with other people, spaces and ideas.

In this occasion I count with the participation of my nephews (Juan Carlos, Miguel Angel, Edgar y Omar), for the elaboration of the main part of this work, a kind of ¨imaginary tree¨, in whose traces of branches we inhabit, to speak about our what we live, want, see and imagine. The different ways of showing this place to where we belong.

This is how I see drawing, as a natural extension of my persona in my encounter with the world that surrounds me, playing with its different ways of expression.

Finally, but not less important, this drawing installation is a kind of personal and intimate homage (starting from the title of the work) to a rock band that I like very much and that I think shares with me this kind of fraternal love for the simple and everyday things of life, THE KINKS.

Pequeñas anécdotas interrumpidas
By Daniel Guzman, Febrero, 1999

I

Los primeros recuerdos que vienen a mi memoria, cercanos a algún tipo de relato visual, son las innumerables colecciones de historietas mexicanas que circulaban por mi casa. Mi papá y su hermano –mi tío Daniel- compraban semanalmente varias de ellas, entre otras: El Payo, Kalimán, Lagrimas y Risas, El Memín, Fantomas, etc., además de su periódico el Esto y la revista Orbita (ahí tuve también mi primer encuentro con el mundo de las vedettes). Mi padre me hacía unas copias del Kalimán en algún papel que encontraba. Fue el comienzo.

De pronto ya me encontraba intentando hacer algunas copias, cosa que se fue acrecentando hasta convertirse realmente en una pasión, luego vendrían otras pasiones: leer y escuchar música (especialmente rock). También frecuentaba mucho el cine (me iba a las matinés del cine Maya a ver películas del Santo y demás producciones nacionales). Mi papá me llevó a ver todas las del 007 y mi tío todas las películas de acción de la época.

Mis padres cambiaban constantemente de casa. Nací y Crecí en la colonia Doctores, en una amplia vecindad de dos patios y baños colectivos. Entonces comenzaron una larga serie de mudanzas por la Ciudad de México y sus alrededores. Cuando esto inició, solamente las historietas, los libros y mis discos se convirtieron en compañeros permanentes. Una constante más: viajes anuales hacia Oaxaca, la tierra de mi madre. Entre otros lugares viví allá por la Cabeza de Juárez, Neza, Balbuena y la Romero Rubio.

Por mi amigo Abraham Cruzvillegas supe por primera vez qué era una instalación. Me invitó a participar en una exposición que estaba organizando en el Centro Histórico de la Ciudad de México, en el estudio de un artista gringo amigo suyo. En esa exposición realizamos obras in situ dentro de ese departamento (trabajamos, vivimos y convivimos alrededor de 15 días con el espacio). Por primera vez tuve que trabajar fuera de un lenguaje visual conocido para mí. (Me considero antes que todo un dibujante).

El dibujo fue la base de donde partí para realizar mi pieza (monté el catre donde dormía a manera de escultura dentro de un cuarto del departamento). Mis dibujos a partir de estas experiencias, se empezaron a poblar de palabras (frases, sentencias muy cortas, onomatopeyas, etc.) Me parece que en parte como producto de la “obligación” de esclarecer mis procesos de trabajo que hasta ese momento eran muy personales, sin una contra parte colectiva. Por esta razón considero importante la experiencia de haber formado parte de un colectivo de trabajo (Temístocles)

III

Más o menos en esta época 91-93 empecé a releer a William S. Burroughs (mi primer intento “Nacked Lunch” resultó un poco difícil) para mi suerte me había encontrado ya a mi amigo Luis Felipe Ortega con quien empecé a compartir muchas lecturas de escritores que nos gustaban a los dos: Beckett, Borges, Burroughs, Bukowski, Cortázar, y muchas otras gracias a su formación pedagógica y filosófica que facilitó a mi obra la ampliación de los procesos de trabajo (no sólo en el dibujo sino en otras áreas de participación colectiva). Trabajamos juntos haciendo videos y escritos varios que tuvieron destinos diversos; aprendía a trabajar y colaborar con mis amigos en proyectos ajenos, pero que me dejaron una experiencia que indudablemente marcó al mío.

El encuentro con William S. Burroughs me resultó importante sobre todo por el proceso de realización, me permitió reconocer y afirmar el uso de la palabra, sea esta en forma de frases, diálogos u onomatopeyas como una parte fundamental de mis dibujos. Retomé directamente de su narrativa la construcción “azarosa” de los tiempos, personajes y espacio: 0cm 0cm 0pt; TEXT-ALIGN: justify">Desde que ingresé a la secundaria me dio por forrar mis libros y cuadernos con copias que hacía de los grupos y músicos de rock. Las imágenes venías directamente de revistas musicales que me gustaba comprar: Conecte, Sonido, Rock-Pop, Cream (gané varias colecciones de discos en los concursos que organizaban las revistas). Esos primeros dibujos-copias, se acompañaban de otras viñetas que yo me inventaba.

En la prepa me encontré con personas que al igual que yo gustaban de esta música. Ahí conocí a mi amigo Daniel Ugalde (él también estudiaría pintura en la Esmeralda, pero en San Fernando, a un costado de la Alameda). Cuando nos tocó elegir carrera, él se decidió, por ser “químico”, y yo diseñador. Me inscribí en la ENAP y sólo duré un año en diseño, luego me cambié para Artes Visuales. Por suerte tuve como maestro a Don Gilberto Aceves Navarro (quién me enseñó el gusto por dibujar y usarlo como plataforma de trabajo), a Tomás Goméz Robledo (quien me enseñó la diversidad del arte), a Guillermo Saffe (quien me enseñó el valor) y, casi al final de la carrera –que no terminé- a Guillermo Santamarina (quien me enseñó a mirar más allá de la escuela).

El último año que estuve en la universidad, me encontré con algunos amigos: Abraham Cruzvillegas, Damián Ortega, Eduardo Abaroa, Sofía Táboas y Pablo Vargas-Lugo, con quienes más tarde formaríamos Temístocles 44. En muchos sentidos, Temístocles fue el resultado de innumerables reuniones, visitas y charlas en torno al trabajo que cada uno venía realizando en su estudio.

II

Metro Blanco y el Exterminador), los cuts-up que tomó él de su amigo, el pintor Bryon Gysin, y que usó para conseguir nuevos resultados en sus escritos:

Cómo el azar construye la narración, dejar que la vida interactúe con el realizador. Salir a la calle y dejar que la mente sea invadida por los mensajes visuales, auditivos, los sonidos, etc. y tener como resultado cortes de tiempo visualmente situados en la superficie del papel (lenguaje). Algunas veces tomé citas directas de los textos.

Gracias al encuentro con la narración de Burroughs me sentí liberado de la necesidad de proceder con un orden establecido al trabajar en los dibujos (manchas, palabras, frases e imágenes son manejadas con el mismo valor visual). El azar y los accidentes son utilizados como parte del proceso de trabajo.

IV

Estando en Temístocles 44 mi amigo Eduardo Abaroa nos trajo unas hojas que contenían la traducción de varios pasajes del libro de Guy Debord :La sociedad del espectáculo junto con la traducción de un fragmento del libro de Greil Marcus Lipstick traces para el boletín de información de Temístocles La alegría; ese fue mi primer contacto con las ideas de la Internacional Situacionista. A partir de las lecturas que hice de la vida y obra de este grupo, mi forma de trabajo (en especial la elección de las apropiaciones sean estas imágenes o palabras) se volvió más “consciente”. Me enfrentó a mis propios deseos (la imagen que el artista tiene de su originalidad, por ejemplo) mi pasado social (gustos, educación y formas de ver el mundo, lenguaje y formas de expresión de una clase), probablemente la parte más visible de esta influencia (estética) sea en mi trabajo dibujístico. Esta experiencia a su vez, se extiende -como consecuencia natural- en otras áreas de trabajo que he realizado: instalaciones y objetos.

“Unas vacaciones baratas en la miseria de los demás” una instalación que realicé en 1995, sintetiza este transito del dibujo, la recuperación de cierta información y un planteamiento mucho más amplio de la obra en su solución formal.

Me parece que de estas dos experiencias intelectuales, mi trabajo y su realización adquirieron un rumbo concreto (alrededor de este eje giran otros). Sigo creyendo que el dibujo es el soporte de mi obra, pero este se ha ampliado hacia otros soportes sin limitarse solamente al bidimensional. Podríamos ver las siguientes obras como resultado de este encuentro.


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