ENGLISH

Mental Spasmology
by Lydia Dona

When I first saw a painting by Pablo Siquier, it was in a slide, projected on the wall. The clarity of the contours and the operation of centrality were very pronounced. The graphic quality and the smooth brush (almost a metaphor for clarity itself) emerged even more when I saw his paintings in real life. They looked as if they had been made by painting from a projected image but were actually painted free-hand, drawn forward in emblematic austerity. When perception and projection are separated by time or space in experience, it disturbs the static pulse of perceptual space. Siquier's paintings exist between the spaces or codes of optics and of memory, articulated through fragments of architectural logos and details borrowed from the dynamism of the collective architectural spectacle of Buenos Aires. On the other hand, these elements are projected back into personal variants of pseudo-nostalgic "stills" or frame enlargements which have somehow floated away from their origins.

Siquier's paintings are syntax without text, body without air, image without ligaments. They work on the mundane forms of generic representations but with a strong poetic linearity that at some point seems to have lost its logic, yet maintains a constructive or pragmatic tradition as the echo of an echo, the utopian desire for an original desire that has meanwhile lost its roots and purpose. So what is Siquier after? A blank wall, a fractured building, a long ornamented line swirling around in arabesques and rotations of black and white, a mannered form of "purity" (especially in the more recent paintings, from 1993-95, where Daniel Buren enters a Borgesian labyrinth).

Siquier acknowledges his point of departure in the Concreto-Invención group of the 1940s in Argentina, and more particularly in the lost aspirations of that movement. Just like Dutch Neo-Plasticism, it opted for a more ideal vision of art as a model for the social system - a utopia of correction. Its creation and assemblage into the variants of the social entailed similar results: disillusionment, the failure of utopia and of the promised praxis mediating art and social models The operation of such a group in a country where repression and dogma were so obvious within the social system brought this discourse to the point of futility, stranded within the merely formal. Melancholy and weight attached to its social articulation, terminating it as an active paradigm.

The interpretation of the relation "center/periphery" takes on distinct nuances in Argentina, thanks to the impact and stylistic infiltration of multiple European influxes. Subjectivity takes on the tonality of paradigms in exile, inverting the processes of integration and synthesis. It is not a question of light radiating from a central origin to explore and illuminate the shadowy margins. Instead, the periphery throws its shade back over the center. The fragments of European styles, as manifested in architecture and everyday life, are repositioned and self-supporting parts that do not refer to a whole. It becomes interesting in this regard to look at two of Siquier's paintings. The first, from 1992 (#9211), is painted pink, white, and black. Its interior seems dark, as though a shadowed center were being weighed against a shadowed edge, with a sense of lateral gravity pulling toward the left. The grid is in a state of imprisonment within an emblematic syntax. It has no surface, no tactility, no sentimental engagement - but a certain draftsmanship creates a kind of architectonic model of the parameters of perception. The painting has a pink ground, a bit muted, and a 3D characteristic in that the perspective seems to tilt itself through the centrality of the image. In a subtle way, you know you are off-balance. But how can you be off when everything is so clear?

A similar move, but in a more radical manifestation, enters into the reading of a new group of paintings from 1993-95. These are black and white, with lines emerging from the edges of the canvas to grow toward the center, maintaining centrality as a barometer of "seeing through" (perspicere, the root of "perspective") yet breaking the image into components as a way of extrapolating around the surface of its articulation. The coded and emblematic aspect of blankness, the fragility of the white background of static - the optical movement of static lines - jumps and dazzles in an almost kinetic, op-art way that elicits a retinal shadow. This time, it is the shadow in transformation.

In the panorama of the young Argentinean painting scene today, as we seek a conceptual assessment of pictorial languages and the issues of abstraction, the individuality of Siquier's work emerges in a context that includes a more internationally known artist like Fabian Marcaccio (an Argentine resident of New York) as well as some whose reputation remains more local, such as Jorge Gumier Maier. Marcaccio uses a more meta-genetic Baroque aspect of painting, highly physicalized and layered, while Gumier Maier's has a more meta-generic, geometrical-simulation aspect, trading on criticality through a reproduction of the codes of "spirituality," imbuing the geometrics of formalism with a more "introverted" touch. Siquier's lexicon is neither physical nor contemplative. His tone is drier and his autonomy adds an additional cerebral dimension. His paintings are not about being and they are complex in their simplifications of the representation of abstraction. His approach has to do with sustaining and obstructing rather than reductivism or simple diagrammaticism. He manages to retain the matrix of the concept in his work.

Abstraction as a discussion becomes futile both in its reductivism on the one hand and in its lyrical/sentimental tendencies on the other. One is actually the reflection of the other. Openness, instead, comes from re-reading painting in new ways. What Siquier brings to it is a way of looking that sees past the phenomena of the body going through its spasmologies to the mind undergoing its contractions and utterances.

SPANISH

Espasmologia Mental
por Lydia Dona

La primera vez que ví una pintura de Pablo Siquier fue en una diapositiva proyectada en la pared. La claridad de los contornos y la operación de centralidad eran muy pronunciadas. La calidad gráfica y el pincelado suave (casi una metáfora de la claridad en sí misma) se hicieron aún más evidentes cuando ví sus pinturas en vivo. Parecían haber sido ejecutadas pintando sobre una imagen proyectada, pero en realidad fueron pintadas a mano alzada, socavadas en una austeridad emblemática. Cuando la percepción y la proyección están separadas en tiempo y espacio en la experiencia, se altera el pulso estático del plano perceptual. Las pinturas de Siquier existen entre los espacios o códigos de lo óptico y de la memoria, articuladas mediante fragmentos del logos arquitectónico y detalles extraídos del dinamismo del espectáculo arquitectural colectivo de Buenos Aires. Como contrapeso, esos elementos son reproyectados en variantes personales de vistas pseudo-nostálgicas o ampliaciones de cuadro que han escapado vagamente de sus orígenes.

Las pinturas de Siquier son sintaxis sin texto, cuerpo sin aire, imagen sin ligamentos. Operan en las formas mundanas de la representación genérica pero con un fuerte lineamiento poético, que pareciera haber perdido su lógica aunque mantenga una tradición pragmática o constructiva, como si se tratara del eco de un eco, del deseo utópico de un deseo original cuyas raíces y propósito fueron perdidos. ¿Qué busca Siquier entonces? Una blanca pared, un edificio fracturado, una larga línea ornamental arremolinándose en arabescos y rotaciones de blancos y negros, una forma amanerada de "pureza" (especialmente en la obra reciente, del 93 al 95, donde Daniel Buren se interna en un laberinto borgeano).

Siquier reconoce su punto de partida en el grupo Asociación Arte Concreto-Invención de los años cuarenta en la Argentina, más particularmente en las aspiraciones perdidas de dicho movimiento. Al igual que en el Neoplasticismo holandés, se optó también en ese caso por una visión idealista del arte como modelo para el sistema social, una utopia de corrección. Su creación y assemblage dentro de lo social legó resultados similares: desencanto, el fracaso de la utopia y de la praxis prometida, supuestamente capaz de mediar entre el arte y los modelos sociales. La falta de operatividad de un grupo semejante en un país donde la represión y el dogmatismo de su sistema social eran tan evidentes, condujo a ese discurso a un punto de futilidad, encallada en lo meramente formal. Melancolía y peso atados a su articulación social, ultimándolo como paradigma activo.

La interpretación de la relación "centro / periferia" reviste distintos matices en Argentina gracias al impacto y la infiltracion estilística de múltiples influjos europeos. La subjetividad adquiere la tonalidad de paradigmas exilados, invirtiendo los procesos de integración y síntesis. No se trata de una luz que, irradiando desde un origen central, explora e ilumina los márgen umbríos, sino de una periferia devolviéndole su sombra al centro. Los fragmentos de estilos europeos, tal cual se manifiestan en la arquitectura y en la vida cotidiana, son reposicionados, y sus partes independientes ya no se refieren a un todo. Resulta interesante mirar desde este ángulo a dos de las pinturas de Siquier. La primera, de 1992 (#9221) es rosada, negra y blanca. Su interior parece obscuro, como si un centro sombreado fuera oprimido contra un margen sombreado por medio de una fuerza de gravitación lateral que empuja hacia la izquierda. La grilla se ve aprisionada en una sintaxis emblemática. No tiene superficie, ni textura, ni sentimentalismo, pero un peculiar delineado crea una suerte de modelo arquitectónico de los parámetros de la percepción. La obra tiene un fondo rosado, algo mustio, y una tridimensionalidad característica en la que la perspectiva parece desplazarse a traves de la centralidad de la imagen. Sutilmente, aprehendemos el desequilibrio. Pero, ¿cómo podemos desequilibrarnos si todo está tan claro?

Una operacion análoga, pero mas radicalmente manifiesta, aparece en la lectura de un nuevo grupo de pinturas de 1995. Éstas son blancas y negras, con líneas surgiendo del borde hacia el centro de la tela, manteniendo la centralidad como un barómetro del "ver a través de" (perspicere, la raíz latina de la palabra "perspectiva"), y sin embargo rompiendo la imagen en partes, como una manera de extrapolarse alrededor de la superficie de su articulación. El aspecto codificado y emblemático del vacío, la fragilidad del fondo de blanco estatismo - el movimiento óptico de las líneas estáticas - resalta y encandila casi como un cinetismo-Op induciendo una sombra retinal. En este caso, es la sombra en transformación.

En el panorama de la pintura joven argentina, en el que es posible detectar una valoración conceptual de los lenguajes pictóricos y de las problemáticas de la abstracción, la individualidad de la obra de Siquier emerge en un contexto que incluye a un artista más conocido internacionalmente como Fabián Marcaccio (un argentino residente en Nueva York) junto con otros cuya reputación es más local, como Jorge Gumier Maier. Marcaccio toma un aspecto más meta-genético barroco de la pintura, altamente físico y estratificado, mientras que Gumier Maier usa un modo meta-genérico, de simulación geométrica, negociando críticamente mediante la reproducción de los códigos de la "espiritualidad", infiltrando a la geometría formalista con un toque "introvertido". El léxico de Siquier no es ni físico ni contemplativo. Su tono es seco y su autonomía añade a la obra una dimension cerebral adicional. Sus pinturas no son sobre el ser y son complejas en sus simplificaciones de la representación de la abstracción. Su visión tiene más que ver con sustentar y obstruir que con el reductivismo o el simple esquematismo. Siquier consigue retener la matriz del concepto en su trabajo.

La discusión sobre la abstracción se torna futil tanto en su reductivismo como en sus tendencias lírico-sentimentales. La apertura surge, en cambio, de la posibilidad de releer la pintura de un modo innovador. Lo que Siquier aporta a esta discusión es un modo de ver que sobrepasa el fenómeno del cuerpo atravesado por sus espasmologías y se consuma en la mente padeciendo sus contracciones y afirmaciones.

Traducido por Nicolás Guagnini.