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1965-1975: Split Ideologies
by Charles Ruas

The Temporary Contemporary reopened in October as a permanent annex of the Los Angeles Museum of Contemporary Art with a brilliant historical exhibition, 1965-1975: Reconsidering the Object of Art. By focusing on this decade and including fifty-five artists from more than a dozen countries, Ann Goldstein and Anne Rorimer have made the first serious attempt to survey the diverse artistic currents and factions that went into creating what we now call in retrospect "Conceptual Art" - at best an umbrella term with such subcategories as Idea Art, Earth Art, Body Art, Art Povera, Serial Art, Communications Art, Performance Art, etc. Conceptualism refers to a broad movement rather than a particular visual style. It emerged during the Vietnam era, with the women's movement and the counter-culture. Coming out of Minimalism and Fluxus as it does, Conceptual Art continues the anti-art stance of Dada, and from within the avant-garde it brings into question the very premises of modernism. What can be a work of art? Why and how does an object become an artwork, or vice-versa? And how is it to be received?

The exhibition includes works by artists who were seminal to the development of Conceptualism, such as Sol Lewitt's Wall Drawing #146 (1972), whose conception is articulated through conventional means; Dan Graham's ironic view of the heightened romanticism of commercials in Homes for America (1966-67); Robert Smithson's Heap of Language (1966), in which he pens a mound of cognates on graph paper; and his Nonsites sculpture (1969), an installation of rocks, gravel, cinders, maps, and diagrams in the Dwan Gallery, which transformed both the nature of sculpture and its context. In England the group Art and Language was intellectually critical and adversarial, whereas the American organization N.E. Thing & Co. was formed in 1966 to "produce sensitivity information, provide consultation and evaluation services, to produce, manufacture, import, buy, sell, and deal in things of all kinds." Both groups are part of the movement's attempts to confront the gap between art and life and the commercial and institutional existence of art. David Lamelas's interest in the similarity of thought in disciplines as different as philosophy, literature, psychology, and the visual arts led him to create an installation presenting information about Vietnam at three levels: the visual image, the text, and the audio. He thus brought his work into the political arena as protest against the war. (Amazingly, Lamelas is the only Latin American included in the exhibition.)

Reconsidering the Object of Art confirms that the immediate effect of Conceptual Art was to "dematerialize" art as an object and social commodity. This phenomenon was surveyed by Lucy Lippard as early as 1973. The idea of a work, she pointed out, had superseded its material expression. Language systems, photography, video, narrative, texts, action, and ephemeral states of being now emerged as media for advance art. Although Conceptualism claims Marcel Duchamp as its forebear, the term Conceptual Art crystallizes around the work of a particular group of young Turks of this period. Joseph Kosuth is represented by two pieces from 1965, Clear Glass Leaning and Five Words in Blue Neon whose titles perfectly describe them. From his Art As Idea As Idea series (1966-68), Definition (1967) shows a chair, broom, lamp, hammer, and clock, each placed next to an enlarged photostat of the object's dictionary definition and with an image or diagram of the object on its other side. When these pieces were first shown, they had an enormous impact, both nihilistic and liberating. For the opposition they were evidence that the emperor had no clothes.

The show is often in a position of documenting documents from the past as opposed to delivering the actual work of art, which gives it the archival feeling that is the flaw of Conceptual Art. The performing genius of Yvonne Rainer is shown twice removed through photographic stills of her films rather than of her performances, Lives of Performers (1972) and Film About a Woman Who... (1974). Joan Jonas's installation of her stage set for the performance of Organic Honey's Visual Telepathy (1972), with its beguiling props and the video Organic Honey's Vertical Roll (1972), is a dry document about this original and influential video and performance artist.

Yet certain re-created works retained all their immediacy and power. Ed Ruscha's Chocolate Room (1970), real chocolate silkscreened on paper hung on the walls completely covering the room, just overwhelmed the senses with its aroma, its color and texture and scale. Allen Ruppersberg's Picture of Dorian Gray (1974) consisted of twenty panels 72" by 72" on which he had copied by hand in Pentel the text of Oscar Wilde's novel onto the canvas. To enter the space was to enter the text. Intensified with the passage of time was Eleanor Antin's sequence of photographs of herself in the nude, taken during a period when she was losing weight, entitled Carving: a Traditional Sculpture (1972). Gordon Matta-Clark's Splitting (1974) remains powerful and mysterious. The artist documents how we took a house owned by Holly Solomon in Englewood, New Jersey, and incised in it two parallel cuts one inch apart across the house and then removed this strip, thus dividing the house in two. He subsequently cut out the four corners of the second story, which were then exhibited at the Holly Solomon gallery. Next, Matta-Clark removed the foundation from under one half, causing it to tilt backward and expose the innards of the house. By contrast and in a playful mode, Giulio Paolini's Apoteosi d'Omero (1970-71) is a space filled with thirty-three music stands with thirty folders on them containing black and white photographs of actors dressed as historical figures, thus referring back to Ingres' painting of that title with its gathering of ancients and moderns on Mount Parnassus.

In bringing together artists as different as William Wegman and Bruce Nauman, Vito Acconci and Richard Long, John Baldessari and Gilbert and George, Maria Nordman and Blinky Palermo, Marcel Bloodthaers and Bernd and Hilla Becher, this vast survey of Conceptual Art reveals how profound and complete was the break between Modernism and Postmodernism. The works created in this decade irrevocably transformed the way we make, perceive, and think about art. All the art of the past two decades either uses and accepts or knowingly contests the premises of conceptualism. Whether it is Neo-Expressionism, Neo-Geo, Neo-Conceptualism, or appropriation, and whether the subject is AIDS, gender, the environment, or the nature of art itself, the work remains critical of its social, political, and historical contexts, self-analyzing and self-criticizing - a critical edge that remains evident in protests of varying intensity from the participating artists against one of the exhibition's sponsors, Philip Morris Companies, Inc.

SPANISH

1965-1975: Ideologias Escondidas
por Charles Ruas

El Temporary Contemporary, actualmente un anexo permanente del Los Angeles Museum of Contemporary Art, volvió a abrir sus puertas el pasado mes de Octubre con una brillante exposición histórica, 1965-1975: Reconsiderando el Objeto del Arte. Enfocando esa década y presentando a cincuenta y cinco artistas procedentes de más de una docena de países, Ann Goldstein y Anne Rorimer han hecho el primer intento serio por revisar las diversas corrientes artísticas y los factores que incidieron en la formación de aquello que, en retrospectiva, llamamos "Arte Conceptual"; en el mejor de los casos un término de carácter genérico que abarca diversas subcategorías como el Arte de Ideas, el Earth Art, el Body Art, el Arte Póvera, el Arte Serial, el Arte de las Comunicaciones, el Arte de Performance, etc. El nombre del Conceptualismo se refiere más a un movimiento amplio que a un estilo visual particular. Surgió en la época de la guerra del Vietnam, al mismo tiempo que el movimiento feminista y la contracultura. Proveniente del Minimalismo y de Fluxus, el Arte Conceptual prolonga la postura anti-arte de Dadá y, desde el interior de la vanguardia, pone en cuestión a las premisas mismas del modernismo. ¿Qué puede ser una obra de arte? ¿Por qué y cómo puede un objeto volverse una obra de arte o viceversa? ¿Y cómo será recibido por el público?

Esta exhibición incluye obras hechas por artistas que fueron esenciales para el desarrollo del Conceptualismo, tales como el Dibujo Mural #146 (1972) de Sol LeWitt, cuya concepción se articula a través de medios convencionales; la visión irónica de Dan Graham sobre el exaltado romanticismo de las propagandas en Hogares para América (1966-67); el Montón de Lenguaje (1966) de Robert Smithson, en donde el artista acumula palabras emparentadas sobre papel para gráficas; y su escultura No-Lugar (1969), una instalación de piedras, grava, cenizas, mapas y diagramas presentada en la galería Dwan, que transformó tanto la naturaleza de la escultura como su contenido. En Inglaterra, el grupo Art and Language fue intelectualmente crítico y controvertido, al tiempo que la organización estadounidense N.E. Thing & Co. se formó en 1966 para "producir, manufacturar, importar, comprar, vender y negociar toda clase de cosas". Ambas agrupaciones muestran los intentos que hizo el movimiento por confrontar tanto la brecha entre arte y vida como la existencia comercial e institucional del arte. El interés de David Lamelas por las afinidades de pensamiento entre disciplinas tan diferentes como la filosofía, la literatura, la psicología y las artes visuales, lo llevó a crear una instalación que informa acerca del Vietnam a tres niveles: la imagen, el texto y el sonido. De tal manera, Lamelas llevó su obra al terreno político en señal de protesta por la guerra. (Increíblemente,Lamelas es el único artista latinoamericano incluído en la muestra).

Reconsiderando el Objeto del Arte confirma que el corolario inmediato del Arte Conceptual era "desmaterializar" el arte en cuanto objeto y mercancía social. Este fenómeno fue descripto por Lucy Lippard ya en 1973. Ella señalaba entonces que la idea de una obra había llegado a sobrepasar su expresión material. Los sistemas de lenguaje, la fotografía, el video, la narrativa, los textos, las acciones y los estados efímeros del ser, habían emergido como los medios de un arte de avanzada. Aunque el Arte Conceptual reclama a Duchamp como su precursor, el término Arte Conceptual se cristalizó en torno a la obra de un grupo particular de animosos protagonistas de ese momento. Joseph Kosuth está representado por dos piezas de 1965, cuyos títulos las describen perfectamente, Vidrio Transparente Inclinado y Cinco Palabras en Neón Azul. En su obra Definición (1967), de la serie El Arte como Idea como Idea (1966-68), Kosuth expone una silla, una escoba, una lámpara, un martillo y un reloj; cada objeto está situado, por un lado, junto a una reproducción ampliada de su correspondiente definición en el diccionario, y por el otro, junto a una imagen o a un diagrama del mismo. Cuando estas piezas fueron presentadas por primera vez tuvieron un enorme impacto, de corte al mismo tiempo nihilístico y liberador. Por la oposición que encontraron dejaron en evidencia que se había tocado un punto neurálgico.

Es frecuente que la exposición se encuentre en la situación de estar documentando los documentos del pasado, en lugar de presentar, de hecho, a la obra en sí. Esto le infunde a la muestra ese aire de archivo que es el defecto del Arte Conceptual. El talento perfomático de Yvonne Rainer es exhibido en dos ocasiones por medio de algunos fotogramas de sus películas, Vida de los Artistas del Performance (1972) y Película Acerca de un Mujer Que... (1974) y no a través de las performances mismas. La instalación que Joan Jonas realizó a partir de la escenografía de la performance de La Telepatía Visual de la Miel Orgánica (1972), con sus seductores andamiajes y el video Rollo Vertical de la Miel Orgánica (1972), es un documento pobre sobre esta artista tan original e influyentedel video y la performance.

Sin embargo, ciertas obras que fueron recreadas especialmente para la muestra lograron conservar toda su vigencia y su poder. El chocolate serigrafiado sobre papel que cubría íntegramente los muros de la sala de la obraCuarto de Chocolate (1970), de Ed Ruscha, simplemente inundaba los sentidos con su aroma, color, textura y escala. El Retrato de Dorian Gray (1974), de Allen Ruppersberg, consistía en veintidós paneles de 1,80 por 1,80 m, sobre los cuales el artista había copiado, a mano y con bolígrafo, el texto de la novela de Oscar Wilde sobre la tela. Ingresar al espacio era como entrar al texto. La secuencia fotográfica de Eleanor Antin desnuda, tomada durante el período en el que ella estaba en proceso de adelgazar y titulada Tallando:una Escultura Tradicional (1972), resulta aún más intensa con el paso del tiempo. La obra Escisión (1974), de Gordon Matta-Clark, aún sigue siendo poderosa y llena de misterio. El artista documenta la forma en que tomó una casa de propiedad de Holly Solomon en Englewood, Nueva Jersey, le hizo dos cortes paralelos a dos centímetros y medio de distancia entre cada uno, y retiró luego el tajo para dividir así la casa en dos. Cortó, en seguida, las cuatro esquinas del segundo piso, las cuales fueron exhibidas en la Galería Holly Solomon. A continuación Matta-Clark quitó los cimientos de una mitad de la casa, con lo que consiguió que ésta se incline dejando expuesto el interior. En contraste, y en un tono más leve, la Apoteosi d'Omero (1970-71), de Giulio Paolini, consiste en un espacio atestado con treinta y tres atriles de música sobre los cuales descansan treinta y tres carpetas negras que contienen fotografías en blanco y negro de actores vestidos en trajes históricos, con lo que se establece una referencia a la pintura de Ingres que lleva el mismo título, en la que se muestra la reunión de antiguos y modernos en el Monte Parnasos.

En la confluencia de artistas tan diferentes como William Wegman y Bruce Nauman, Vito Acconci y Richard Long, John Baldessari y Gilbert y George, Maria Nordman y Blinky Palermo, Marcel Broodthaers y Bernd y Hilla Becker, esta gran revisión del Arte Conceptual revela cómo fue de profunda y total la escisión entre el Modernismo y el Posmodernismo. Las obras creadas en esa década transformaron irrevocablemente tanto el modo en el que se hace el arte como la manera en que se lo percibe y se lo piensa. Todo el arte producido en las últimas dos décadas utiliza y acepta, o confronta conscientemente, las premisas del Conceptualismo. Aunque se trate del Neo-expresionismo, del Neo-Geo, del Neo-conceptualismo, de la apropiación, o si el tema de los trabajos es el SIDA, el género sexual, el medio ambiente o la naturaleza misma del arte, la obra sigue siendo crítica de sus contextos sociales, políticos e históricos, autoanalítica y autocrítica - un aspecto que continúa siendo evidente en las protestas de diversas intensidades que varios de los artistas participantes llevaron a cabo en contra de uno de los patrocinadores de la exhibición, la multinacional Philip Morris.

Traducido por Carolina Ponce de León.