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In the "Society of the Spectacle" you are always the employee; never the owner of the show
por Rosa Martinez
"Aún aprendo" (I am still learning), wrote Francisco de Goya in one of the engravings he produced during the final stage of his life. Goya insisted on the need to remain firm of purpose and to keep one s eyes wide open in order to avoid the blindness imposed by dogmatism, the obscurantism of certain beliefs, and the desire for power. When I wrote "Learning from Santa Fe", my curatorial statement for the Gallery Guide of the Third International SITE Santa Fe Biennial, I included the word "learn," recalling not only Goya, but also Robert Venturi's Learning from Las Vegas, the book that opened the door to postmodernism in architecture. Two weeks after the opening of the Santa Fe Biennial in July 1999, I had the chance to visit Las Vegas, and now, in retrospect, I must say that I've learned quite a bit from both experiences.
In the realm of contemporary artistic creation, the absolutist ideals of purity conceive a piece of art as a conceited, unique, original, narcissistic and pretentious fetish uncontaminated by the miseries of reality. Despite this, art today is once again reaching out to other spheres of experience and again becoming a bridge between container and content, between formal experimentation and the desire to create associations of the senses which prompt critical analysis of the world in which we live. As Octavio Paz has said, the aesthetic of mirrors has given way to an aesthetic of prisms which includes multiple perspectives for observation and diverse possibilities for hybridization. This need for expansion beyond the limits imposed by academics and the awareness that art can contribute to transforming the world are what prompted me to extend the exhibition beyond the walls of the museum (ten outdoor projects are shown) and to go so far as to invite the participation of the ecological organization, Greenpeace.
The title of the Biennial, "Looking for a Place," essentially refers to the way in which new technologies, migration, and tourism, as well as an excessive consumption of images are transforming our sense of place and are questioning the traditional spaces where art can be exhibited. This Biennial, although modest in size (only 28 artists are participating), is very ambitious in its intentions and is focused on exploring how art is emerging from its privileged enclave and occupying new territories, discovering new raisons d'être, and integrating itself into the fabric of social life. The exhibition includes works about the kind of patriarchal domination which divides living areas according to gender, separating public from private life, and assigning men to the public sphere and women to the domestic. The works by Shirin Neshat and Monica Bonvicini deal with this type of analysis. The exhibition also gives some thought to the new role occupied by the concept of the sacred (in the works of Yolanda Gutierrez, Zwelethu Mthethwa) and, in general, has arisen as a polyphonic concert in which the interactions with the actual site where the exhibition is held, New Mexico, has played a fundamental role. This is why, when I was preparing for the Biennial, I took into special consideration the proximity of the Los Alamos Laboratory (where the first atomic bomb was created), the presence of the desert as a natural space as opposed to the cultural space constructed by different cultures (Indians, Hispanics, Anglo-Saxons, etc.), and the transformation of Santa Fe itself into a "mythical theme park" which attracts thousands of tourists each year. Diller & Scofidio address this issue in a brilliant and ironic intervention in a Budget Inn motel room.
Behind all of these reflections and interventions is the relentless globalization and voracity of transnational capitalism in its quest for new markets with no ethical restraint. The ideology of globalization presents the breaking down of borders as something positive whereas, in fact, borders disappear only for capital but not for individuals. So it is that this globalization, presented as a universal benefit, is essentially profitable for transnational companies, while individual communities are always the victims of their exploitation. The fact that a small and internationally disperse group such as the ethically-driven Greenpeace organization is capable of standing up to the giants that dominate the world struck me as in line with the spirit of the exhibition in many ways, and with the constant, radical efforts of many artists as well. Firstly, in keeping with the theme of the exhibition, its members are motivated by a desire to defend the world as a "place" we all share; one which must be preserved over and above all concerns for political boundaries and the economic interests of multinational corporations. Secondly, Greenpeace s actions contribute to dismantling the myth that modern science and technology are the great liberators of mankind, a myth which has covered up terrible ecological and humanitarian crimes with the rhetoric of progress. From an artistic viewpoint, many of Greenpeace's operations can be considered performances or installations; we might even include them under Beuys' concept of "social sculpture" insofar as they change our awareness of certain problems. In addition, they play, quite intelligently, with mass media s insatiable desire for spectacle.
Art, which at times is accused of being superfluous, can generate innumerable micro-transformations of awareness at both the individual and collective levels. This is what has been achieved by works such as that of the Native American activist Charlene Teters, who installed in front of the State Capital in Santa Fe a replica of the obelisk which is actually situated in the Plaza, and is dedicated to the heroes who fought against the savage Indians. In Charlene's replica, only the word "savage" is inscribed, so as to question who are the heroes and who is the savage. In the Third Santa Fe Biennial, I have tried to create an exhibition that goes beyond the aesthetics of hanging fine objects on undefiled white walls. I wanted to avoid the curator-as-dictator syndrome, whereby one imposes his or her vision and uses artists to demonstrate one s own theories, and so I was open to changing my original ideas in accordance with the analyses and proposals the artists presented to me. I tried to broaden the limits of the field by having "professional" artists work alongside of groups such as Greenpeace which are not normally considered to belong to the art world. I have worked with a new concept of structuring an exhibition: instead of giving each artist an individual, defined space where one can boost one s own ego and promote one s own visions, he or she must share with other artists the zones of interaction where negotiations that take into account individual qualities and differences can take place. The "Looking for a Place" experiment has helped consolidate awareness of the fact that conflict is inherent in life and because of this one must pursue one's work while respecting the place of others and try to create common spaces for interaction.
In fact, three outdoor projects have been totally dismantled to date in response to the reactions of the local inhabitants. The giant snake which Yolanda Gutierrez created for the lake of the San Ildefonso Pueblo only got to swim in those waters for one day. The artist had conceived of her work as a symbol of the meeting of Meso-American and North American Indian cultures, but the elders of the Pueblo people did not find it respectful of their beliefs. The electric light of the wonderful red monochrome abstract painting that Michael on Hausswolff came up with for the cemetery of Our Lady of Guadalupe shone only for two nights. The project for an unassisted flying station, "Wannafly," by Simone Aaberg Kaern, exhibited in Los Alamos airport, was closed at the end of September through the pressure of certain airport officials. But everyone s dreams took shape, however ephemerally, provoked debate within the community, and taught us how to engage in dialogue, negotiate, and to exercise tolerance. "Looking for a Place" has been one more step in the ongoing process of learning how to continue the fight against established prejudices, against the giants who dominate us, or against the impulses of death and destruction. For this I must thank the organizers and everyone else involved in preparing for SITE Santa Fe for their persistence and dedication in making all of the projects a reality.
Meanwhile, elsewhere on our planet, physically far from Santa Fe but very near to my heart, the organizers of the 6th Biennial of Istanbul decided to open their exhibition in spite of the terrible earthquakes. They offer us yet another marvelous example of confidence in the potential art has both as a means and a metaphor for the continual rebuilding of the world and reinvention of a new ethic for our lives, although we all know that in show business, we are never the absolute masters of the show, but only its humble servants.
Rosa Martinez
Barcelona, October 1999
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SPANISH
"En las sociedad del espectáculo nunca eyes el dueño del show. Eres simper un empleado"
por Rosa Martinez
"Aún aprendo" (I am still learning) escribió Francisco de Goya en uno de los grabados que realizó en la etapa final su vida. Goya defendió siempre la necesidad de tener el espíritu enderezado y los ojos bien abiertos para huir de la ceguera que imponen los dogmatismos, el oscurantismo de ciertas creencias y la voluntad de poder. En otra de sus más significativas obras, dos hombres se matan enconadamente a bastonazos. Su odio mutuo no les permite ver como en su delirio destructivo ambos se hunden en el fango y perderán su vida sin que ninguno de los dos pueda proclamarse vencedor. Con este "Duelo a bastonazos" (h. 1820), Goya muestra la miseria y el egoismo que habitan en el ser humano, y crea una poderosa alegoría de cómo la enconada destrucción del otro conlleva el germen de la destrucción propia. Su obra explicita claramente los desastres que la guerra, el odio y el abuso de poder son capaces de producir.
En el fondo de toda pelea subyace una necesidad de dominar al otro (real o simbólicamente) para beneficiarse con su aniquilación. Lo que ocurre a gran escala en el plano colectivo, ocurre también cada día en el terreno de las relaciones interpersonales. El actual Dalai Lama ha comentado repetidamente en sus discursos lo difícil que seguirá siendo encontrar una solución pacífica para los conflictos del mundo, cuando a nivel individual aún no hemos aprendido a controlar nuestras propias emociones y nuestros odios hacia nuestros vecinos más próximos . Es necesario pues deconstruir los modelos psíquicos e ideológicos que han conformado históricamente las pasiones del alma humana.
Personalmente he dedicado gran parte de mi energía a deshacer las creencias impuestas por la religión católica, con su terrible concepto del pecado, su visión apocalíptica del castigo y su venenoso sentimiento de culpa. También he combatido la tradición patriarcal que me sitúa como ser subalterno por el hecho de ser una mujer, y me sigue interesando deshacer la pretensión del arte occidental de ser el más elevado, el más verdadero y el más esencial. Esa pretensión, que tuvo su punto álgido con el formalismo exacerbado del minimalismo, ha ido ligada tanto a las creencias religiosas y filosóficas de occidente como al dominio colonial, que ha expandido sus propios modelos de pensamiento y sus formas de vida.
En el terreno de la creación artística, los ideales absolutistas de pureza conciben la obra como un fetiche ensimismado, narcisista y pretencioso que no se contamina con las miserias de lo real. Sin embargo, hoy el arte extiende nuevamente los brazos hacia otras esferas de la experiencia y se vuelve a convertir en un puente que enlaza continente y contenido, experimentación formal y voluntad de crear conjunciones de sentido que impulsen análisis críticos sobre el mundo en que vivimos. Esa necesidad de expansión fuera de los límites impuestos por las academias y la conciencia de que el arte puede contribuir a transformar el mundo -aunque sea a una pequeña escala- son las que me impulsaron a invitar a la organización ecologista Greenpeace a la 3a. Bienal Internacional SITE Santa Fe, que se ha presentado en Santa Fe de Nuevo México (USA) de julio a diciembre de 1999.
El título de la Bienal ("Looking for a Place") hace básicamente referencia a cómo las nuevas tecnologías, las migraciones y el turismo, así como el consumo desmesurado de imágenes, están transformando nuestro sentido del lugar. Esta bienal -aunque modesta en su dimensión (han participado sólo 28 artistas)- ha sido muy ambiciosa en cuanto a propuestas y ha centrado su reflexión en cómo el arte está saliendo de su coto cerrado para ganar nuevas ubicaciones, para descubrir nuevos territorios de sentido y de imbricación con lo social. La exposición ha incluido obras sobre el dominio patriarcal que ha dividido sexualmente los espacios vitales separando lo público de lo privado y asignando a los hombres la esfera pública y a las mujeres la doméstica. Ha reflexionado también sobre los nuevos lugares que ocupa el concepto de lo sagrado y en general se ha multiplicado en un polifónico concierto en el que han tenido un papel fundamental las interacciones con el propio lugar en el que la exposición acontecía: Nuevo México. Por eso en el momento de concebir la bienal tuve especialmente en cuenta la cercanía del laboratorio de Los Alamos, donde se creo la primera bomba atómica; la presencia del desierto como espacio natural frente al espacio cultural que han ido construyendo diversas comunidades (los indios, los hispanos y los anglosajones...); así como la conversión de la propia Santa Fe en un "parque mítico-temático" que atrae cada año a miles de turistas.
Todas estas reflexiones tienen como telón de fondo la imparable globalización y la voracidad del capitalismo transnacional por ganar nuevos mercados sin ningún tipo de cortapisas éticas. La ideología de la globalización presenta la desaparición de las fronteras como algo positivo cuando en realidad las fronteras desaparecen sólo para el capital pero no para las personas. Así, esa globalización que se presenta como un beneficio universal, es fundamentalmente rentable para empresas transnacionales cuyos explotados son siempre víctimas locales.
Que una organización pequeña y dispersa internacionalmente como Greenpeace se mueva por impulsos éticos y sea capaz de plantar cara a los gigantes que dominan el mundo me pareció que conectaba de muchas formas con el espíritu de la exposición. Primero temáticamente, pues a sus miembros les mueve la voluntad de defender el mundo como un "lugar" común que debe ser preservado más allá de divisiones estatales y de fronteras gubernamentales. Los activistas de Greenpeace son bellamente "conservadores" pues contribuyen a deshacer la mística de la ciencia y la tecnología modernas como las grandes liberadoras de la humanidad, una mística que ha escondido terribles crímenes ecológicos y humanitarios con la retórica del "progreso". Se nos ha hecho creer en la necesidad de pasar por males menores para evitar males mayores, como los experimentos que el gobierno de Estados Unidos ha reconocido haber realizado utilizando sustancias radioactivas en sus propios ciudadanos; los experimentos nucleares franceses en el Pacífico; etc.... En este contexto, los miembros de Greenpeace son románticos-pragmáticos pues no se quedan en las palabras en su lucha por la defensa de unos ideales ideales colectivos que tanto la izquierda como la derecha habían dejado de lado. Utilizan además las estrategias de sus "enemigos", pues sus espectaculares acciones son ampliamente difundidas por la televisión y otros medios de comunicación que, a menudo, están financiados por grupos de capital con intereses conectados con industrias de explotación o de dominio ideológico.
Desde la perspectiva artística, muchas de sus intervenciones podrían ser catalogadas como performances o instalaciones y podrían incluso ser inscritas dentro del concepto beuysiano de "escultura social", pues cambian la conciencia de la gente sobre determinados problemas. La noción clásica de arte, aquella que concibe la obra como un condensador de la memoria que debe ser exhibido en el museo para educación y deleite de futuras generaciones, va mucho más allá con las acciones de este grupo ecologista. Greenpeace interviene sobre el presente y su voluntad no es producir fetiches sino contribuir a transformar la realidad y preservar el futuro (no el pasado).
El arte, que a veces es acusado de superfluo, puede generar enormes microtransformaciones en la conciencia. En la organización de la Bienal de Santa Fe, yo he intentado crear una exposición que fuera más allá de la esteticista colocación de bellos objetos sobre impolutos muros blancos. He huido de la tipología del "curator-dictator" que impone sus visiones y utiliza a los artistas para demostrar sus tesis. He estado abierta a cambiar mis ideas originales a medida que me confrontaba con las propias ideas, los análisis y las propuestas de los artistas. He intentado ampliar las fronteras del campo artístico haciendo que artistas "profesionales" convivan con grupos como Greenpeace, no englobables institucionalmente como "artísticos". He trabajado con un nuevo modelo de sintaxis expositiva en el que cada artista no dispusiera de un espacio individual y cerrado en si mismo donde magnificar su ego y sus visiones, sino que compartiera zonas de interacción con los otros creando espacios de diálogo en los que negociar la especificidad y las diferencias. La experiencia de "Looking for a Place" ha contribuido a consolidar la conciencia de que ya que el conflicto es inherente a la vida es necesario trabajar respetando el lugar del otro y crear territorios comunes de encuentro .
La participación de Pipilotti Rist en la Bienal de Santa Fe es ejemplar en este sentido. Habíamos decidido que, en conexión con el espíritu de una exposición cuyo objetivo era hacer porosas las paredes del museo e interaccionar con lo social, lo mejor era presentar sus trabajos en la televisión. Conseguimos el permiso de la televisión local de Santa Fe para pasar una selección de sus clips durante media hora cada sábado. Cuando los directivos de la cadena televisiva vieron las cintas decidieron que ciertas imágenes de unos pechos femeninos eran obscenas, por lo que la selección sólo podría ser exhibida a partir de las 10 de la noche. Ese puritanismo exacerbado resultaba chocante para mi, pues no deja de repugnarme la hipocresía que hace que la fisicidad corporal sea censurada mientras en horario de tarde se alimentan los instintos violentos con delirantes películas de guerra, con continuos asesinatos y escenas de destrucción y muerte. Sin embargo nos adecuamos al contexto estadounidense y aceptamos exhibir la obra de Pipilotti en horario nocturno. Paralelamente germinó la idea de instalar una pequeña obra en el edificio de SITE Santa Fe, algo que actuara como reclamo y como referencia de la intervención en la televisión. La Education Room de SITE nos pareció el lugar más adecuado pues allí también se mostraría documentación sobre los otros artistas participantes y un vídeo con la selección de acciones de Greenpeace.
Pipilotti propuso traer una pequeña maqueta de una sala de estar que tituló "Small Living Room in Green Peace". En ella, un pequeño monitor, de aproximadamente 5 cm de tamaño, emitía el mismo programa de clips que se mostraba en la TV local. Sin previo aviso, lo que yo había claramente acordado con la dirección de SITE Santa Fe que se utilizaría como "education room" fue transformado en una tienda: sobre la pared situada justo enfrente de la maqueta de Pipilotti se desplegaron camisetas y otros gadgets para ser vendidos. Además de demostrar una falta de sensibilidad institucional hacia mi concepto curatorial de ese espacio, esta decisión cambiaba también el sentido de la obra de Pipilotti pues la convertía en un gadget más. Esto nos pareció inadmisible y como SITE Santa Fe reiteró la necesidad de usar ese espacio como tienda, decidimos eludir un enfrentamiento directo pero retiramos la obra de la exposición. Hubo pues que asumir esa pérdida, y cultivar la paciencia y la tolerancia, como aconseja el Dalai Lama. Sin embargo, la lucha continúa: habrá que seguir enfrentándose a los gigantes e insistiendo en la necesidad de construir exposiciones y small living rooms in green peace.
Rosa Martínez
Barcelona, september 1999
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